REVISTA DE ENFERMERÍA 

Por primera vez en la historia del arte, vemos como se ven integrados los diferentes tipos de arte como son la pintura, la arquitectura y la escultura. Muchos de los artistas de esta época conocen y desarrollan sus habilidades en cada una de estas áreas y podemos apreciar en gran parte de las obras, como las expresan en forma simultánea y armónica. Nace el interés por todos los conceptos que aportan una obra de arte más nítida, más completa y plena de sensibilidad. La representación del cuerpo humano abandona su connotación pecaminosa y prohibida para convertirse en la manifestación más notable del artista. Se estudian los contornos, el movimiento, la fuerza, las formas, el volumen, los escorzos y todas aquellas cualidades que permiten una representación dinámica y natural. Se pretende así devolver al ser humano su legítima importancia, perdida durante la edad media y el cristianismo, regresando al interés mostrado por los griegos en el realce y aprecio de cada uno de los detalles de la figura humana.

Convirtiéndose el ser humano en el eje de las expresiones artísticas, el retrato pasa a ser un objetivo importante para el artista. Anteriormente sólo se pintaba un rostro sin claridad, sin expresión, sin interés. En el renacimiento vemos surgir las características de la personalidad del modelo, sus rasgos, su temperamento, su entorno y la trascendencia de la posición social de aquellos personajes de alto rango. Así mismo el autorretrato cobra importancia porque el mismo artista reconoce su valor, que proyecta a la sociedad que representa. Es tal el valor que adquiere el artista que se comienza a firmar las obras. En la edad media los autores de las obras se desconocen.

Como toda época en la historia del arte, el renacimiento tiene un período de “incubación”, donde se observan los primeros artistas con tendencias renacentistas. En este caso específico, el precursor del renacimiento reconocido por los historiadores desde el punto de vista pictórico es Giotto. Aunque Petrarca nunca le otorgó los créditos merecidos, Bocaccio, uno de sus seguidores, es quien le otorga todo su valor pues afirma que Giotto interpreta los diferentes aspectos de la naturaleza en forma tan fidedigna, que la gente toma sus obras como una interpretación de la realidad misma.

Figura 2. Tríptico de los Portinari

Tenemos también a Roger Van Der Weyden (1399-1464) quien se dedica más a los detalles de la interpretación emocional del drama gótico en este nuevo estilo y se destaca por su habilidad en los detalles de los rostros y mayor carácter en las expresiones. Por otra parte Hugo Van der Goes (1440-1482) es un personaje caracterizado por su personalidad turbulenta y depresiva, considerado como un genio infeliz que termina suicidándose y a quien podemos en cierta forma comparar con Van Gogh. Una de sus obras más ambiciosa es el triptico de los Portinari, que es una obra de la familia Portinari, cuyos miembros se encuentran representados en forma empequeñecida frente a los personajes religiosos. Vemos como esta obra no guarda una proporción en sus dimensiones, porque el mensaje del artista es precisamente dar a cada uno de los representados un determinado valor a través de su tamaño como parte de un simbolismo intencional. El manejo de la perspectiva se hace mucho más evidente.

Si pasamos al renacimiento italiano podemos mencionar a Masaccio (1401-1428), artista que se hizo famoso a los 21 años y murió 6 años después. Se caracterizó por su gran magnificencia en la representación de frescos, siendo el más importante el de la Santísima Trinidad que se encuentra en la iglesia Santa María Novella en Florencia. En esta obra se aprecia maestría en la perspectiva y la distribución de la composición. El sacerdote Filippo Lippi (1406-1469) desempeña un papel importante en el estilo florentino de la segunda mitad de siglo: humanizando las figuras, atribuyendo una gran importancia a la luz, el color y los más mínimos detalles. El sacerdote Angelico (1400- 1455) es quien más conserva los rasgos de Masaccio como el orden espacial, el rigor de sus obras y su dignidad. Otro de los grandes artistas que se reconoce más por sus frescos es Piero de la Francesca (1420-1492) con una admirable percepción de las proporciones matemáticas. Paolo Ucello (1397-1475) se interesa mucho más por la distribución de las figuras y el contenido de sus obras que por la forma.

Sandro Botticelli (1444/5-1510) formado por Filippo Lippi, se convirtió en uno de los artistas favoritos de los Médicos y uno de sus miembros encarga la obra el nacimiento de Knm, donde se observa un efecto de bajo relieve por el énfasis en el trazado. Los cuerpos aún no poseen tanto detalle anatómico, pero se hacen más humanos y reales. Piero di Cosimo (1462-1521) ilustra un punto de vista de la mitología pagana completamente opuesto a los neoplatonicistas. En vez de espiritualizar los dioses paganos, los trae a la tierra para convertirlos en seres de carne y hueso. Domenico Ghirlandaio (1449-1494) pcsee una gran influencia flamenca en sus obras. Prieto Perugino (1450-1523) quien fue sobrepasado por uno de sus alumnos: Raffael. Luca Signorelli (1445/50-1523) posee una gran habilidad para la representación humana y distribución geométrica de sus obras. Andrea Mantegna (1431-1506) adquiere una fama rápida y tiene contacto directo con Donatello. Junto a Masaccio se convierte en uno de los artistas más importantes del renacimiento temprano, guardando un estilo propio y definido a todo lo largo de su obra. Sus obras más reconocidas son los frescos de Padua. Giovanni Bellini (1431-1516) dotado por una gran sensibilidad en sus obras y reconocido como uno de los pintores venecianos más importantes de la época. Integra hábilmente la figura humana al paisaje dentro de una perspectiva atmosférica finamente lograda.

Figura 4. El nacimiento de Venus

El renacimiento tardío está representado por artistas de gran renombre como: Leonardo Da Vinci (1452-1519) quien fue alumno de Verocchio y se reconoce por su gran habilidad en diferentes ramas artísticas además de sus diversos conocimientos y capacidad creativa de invención. Entre sus obras más destacadas tenemos la adoración de los magos, que quedó inconclusa, a pesar de ser una de sus obras más ambiciosas desde el punto de vista artístico. Realizó múltiples estudios previos y de sarrolló el método de modelación conocido como claro-oscuro. Se caracteriza además por su diseño piramidal y la gran fuerza de sus componentes anatómicos. Tenemos también la I/li-gen en las rout, en la que las figuras emergen de la semioscuridad y se puede percibir la atmósfera húmeda que rodea los personajes, dándole un efecto particular de intimidad a la escena, creando una ilusión más que una realidad. Es el primer artista en darle un tratamiento misterioso a este tema: el aislamiento, la piscina al frente y la vegetación.